La arquitectura japonesa tiene
una gran historia como cualquier otro aspecto de la cultura japonesa.
Aunque
fuertemente influenciada por la arquitectura china, también nos enseña un número importante de
diferencias y aspectos que podemos denominar como inequívocamente japoneses.
Para la mayoría, aquellos edificios que han sobrevivido hasta nuestros días y
muestran evidentes signos de arquitectura japonesa pre-moderna son, en general,castillos, templos budistas, y santuarios Shinto.
Pero en el
caso de los arquitectos modernos y la arquitectura moderna alrededor del mundo,
la arquitectura japonesa refleja hoy un acercamiento y un sentido modernos,
globales del estilo, a menudo con poca conexión a los modos japoneses
tradicionales.
ARQUITECTURA
ASUKA Y NARA
Hōryū-ji, Ikaruga, prefectura de Nara (El edificio del séptimo siglo).
Aunque
existen vestigios de construcciones neolíticas a través de modelos de casas
encontrados en túmulos, apenas son una introducción al budismo en el que ya
podemos ver una tradición continua a partir del siglo VI d. C.
Las más
tempranas estructuras budistas aún
existentes en Japón, y los
edificios más viejos de madera que sobreviven en elExtremo Oriente son
encontrados en el Hōryū-ji al
sudoeste de Nara. Ellos sirven como ejemplos principales de arquitectura para
este periodo. El primero fue construido a principios del siglo VII como el
templo privado del príncipe heredero (el Príncipe Shotoku) consistía en 41 construcciones independientes; las
más importantes eran el pasillo principal de la adoración, o Kondo (Pasillo
de oro), y Goju-no-to (pagoda de cinco partes), están situados en el centro de
un área abierta rodeada por un claustro cubierto. El Kondo, de estilo parecido
al de los pasillos de la adoración chinos, es una estructura en dos partes
construida mediante un sistema de postes y vigas, capsulada además por una
irimoya, o azotea de baldosas cerámicas.
HEIAN
En reacción
a la riqueza creciente y al poder del budismo organizado en Nara, el sacerdote Kukai (mejor
conocido por su título póstumo Kobo Daishi, 774-835) viajó a China para estudiar Shingon, una forma de budismo Vajrayāna, que él introdujo en Japón en 806. En el corazón de adoración de Shingon están
varios mandalas, diagramas del universo espiritual
que influyeron en el diseño de templo. La arquitectura budista japonesa también
adoptó el stupa en su forma china de pagoda.
Los templos
erigidos para esta nueva secta fueron construidos en las montañas, a lo lejos
de la corte y el laicado de la capital. La topografía irregular de estos sitios
forzó a arquitectos japoneses a replantear los problemas de la construcción de
templos, y así escoger los elementos más indígenas de diseño. Las azoteas de
corteza de ciprés substituyeron a aquellas de azulejo de cerámica, tablones de
madera fueron usadas en vez de pisos de tierra, y un área de adoración separada
para el laicado fue añadida delante del santuario principal..
El Hōōdō (El
Recibidor del Fénix, completado en 1053) en Byodoin,
un templo de Uji en el sudeste de Kioto, es uno de
los ejemplos más importantes de recibidores Fujiwara Amida que consisten en una
estructura principal de forma rectangular flanqueada por dos pasillos en forma
de "L" y un pasillo de cola, sistema del ala en el borde de una
charca artificial grande. Dentro de, una sola imagen de oro de Amida (circa
1053) está instalada en una alta plataforma. La escultura de Amida fue
ejecutada por Jocho, que utilizó un canon nuevo de las proporciones y de una
nueva técnica (yosegi), en las cuales los pedazos múltiples de madera se
tallan hacia fuera como cáscaras y se ensamblan en el interior. Se aplican a
las paredes del pasillo las tallas pequeñas de la relevación de lo celestial,
el anfitrión creía tener la compañía de Amida para cuando él descendiera al
paraíso occidental para que se recolectaran sus almas de creyentes en el
momento de la muerte y para transportarlos en flores del loto al paraíso. Las
pinturas Raigo (provenientes del Buda Amida) en las puertas de
madera del Ho-o-do son un ejemplo temprano de Yamato-e, pintura de estilo Japonés, porque
contienen representaciones del paisaje alrededor de Kyoto.
Otro
desarrollo principal del período era la ceremonia del té y la casa en la cual fue sostenido. El objetivo
de la ceremonia es el de pasar el tiempo con los amigos quienes disfrutan de
las artes, limpian la mente de las preocupaciones de vida diaria, y reciben un
tazón de té servido de una manera graciosa y con buen gusto. El estilo rústico
de la casita de campo rural fue adoptado para lacasa del té, acentuando materiales naturales como los troncos
cubiertos por corteza y la paja tejida.
PERIODO
AZUCHI-MOMOYAMA / PERIODO SENGOKU
El Castillo de Himeji
Dos nuevas
formas de arquitectura fueron desarrolladas en respuesta al cima militarista de
la época: el castillo, una estructura defensiva construida como casa de un
señor feudal y sus soldados en tiempos de problemas; y el shoin,
un pasillo de recepción y área de estudio privado diseñada para reflejar las
relaciones de señor y vasallo dentro de la sociedad feudal. El Castillo de Himeji(construido en su forma actual en 1609),
corrientemente conocido como el "Castillo de Garza Blanco", con sus
graciosas azoteas de encorvadura y su complejo de tres torres subsidiarias
alrededor del tenshu principal, es una de las estructuras más
hermosas del período Momoyama. El Ohiroma del Castillo Nijō (del
siglo XVII) en Kioto es uno de los ejemplos clásicos del shoin,
con sutokonoma (el nicho), la ventana shoin (pasando
por alto un muy bien cuidado jardín donde relajarse), y áreas claramente
diferenciadas para los señores Tokugawa y sus vasallos.
PERIODO EDO
Jardín de la Villa Imperial de Katsura (1615)
El Palacio Separado
Katsura, construido
a imitación del palacio del Príncipe Genji, contiene
bastante de los edificios shoin y combina los elementos de la arquitectura
clásica japonesa con nuevas exposiciones innovadoras. El complejo entero es
rodeado por un hermoso jardín con caminos para el paseo.
La ciudad de
Edo era repetidamente golpeada por fuegos y esto condujo a una arquitectura
simplificada para una reconstrucción fácil. Los trastos viejos eran juntados y
almacenados en las ciudades cercanas para el invierno siguiente cuando el
tiempo seco ayudaba a la extensión de fuego. Una vez que el fuego hubiera
estallado y hubiera sido extinguido, éstos serían enviados a Edo y filas de
casas serían rápidamente reconstruidas. Debido a la política del shōgun de sankin kōtai, el daimyō construyó casas grandes y
construyó parques de paseo para su placer así como para el de sus invitados.
Kōrakuen es un parque que todavía existe desde aquel período y está abierto al
público hoy en día para pasear distendidamente.
PERIODO
MEIJI
En los años
posteriores a 1867, cuando el Emperador Meiji ascendió
al trono, Japón estaba siendo invadida otra vez por una nueva forma de cultura
"alienígena". Antes del comienzo del siglo XX, formas de arte
europeas eran bien introducidas y su matrimonio con el Japón dio lugar a la
construcción de edificios importantes como la Estación de Tokio y el Edificio de la Dieta que todavía hoy existen.
ARQUITECTURA
MODERNA
Como en
tantos otros aspectos de la cultura y sociedad japonesa, el salto que la
tecnología moderna trajo se notó también, de forma notable, en la arquitectura.
La necesidad de reconstruir Japón después
de la Segunda Guerra Mundial supuso un gran estímulo para la arquitectura
japonesa. Ello supuso que muchos edificios contemporáneos japoneses estén a un
nivel altísimo en el mundo en términos de tecnología y en su concepción formal.
Uno de los arquitectos japoneses más conocidos es Kenzō Tange, cuyos Gimnasios
Nacionales (1964) para las Olimpiadas de Tokio que acentúan el contraste y la mezcla de pilares
y paredes, con azoteas amplias y evocadoras de la tomo-e (un antiguo símbolo heráldico formado por una
voluta) son declaraciones dramáticas de la forma y el movimiento.
Con la
introducción de técnicas constructivas, materiales y estilos desde el Oeste en el Japón Meiji, nuevas
estructuras de hormigón y acero fueron construidas en fuerte contraste con la
arquitectura tradicional japonesa. Japón jugó algún papel en el diseño de los
modernos rascacielos, debido a
su larga familiaridad con el principio de cantilever para apoyar el peso de
pesadas azoteas de templo embaldosadas. Frank Lloyd Wright fue fuertemente influido por las disposiciones
espaciales japonesas y su concepto de interpenetrar el espacio exterior e
interior, alcanzado mucho tiempo atrás en Japón con paredes que se abren hechas
de puertas que se
deslizan. A finales
del siglo XX, sin
embargo, sólo en la arquitectura doméstica y religiosa era el estilo
tradicional japonés comúnmente empleado. Las ciudades se irguieron con
rascacielos modernos reflejando una asimilación total y occidentalización de la
arquitectura japonesa. Esto lo vemos claramente en el horizonte occidentalizado
de la ciudad de Tokio.
Uno de los
arquitectos más importantes de los 70 y de los 80 fue Isozaki Arata, originalmente un estudiante
asociado a Tange, que también basó su estilo en la tradición de Le Corbusier y
posteriormente su atención viró hacia la exploración de formas geométricas y de
siluetas cúbicas. Él sintetizó conceptos occidentales de alta tecnología del
edificio con ideas espaciales, funcionales, y decorativas típicas de Japón
creando así un estilo japonés moderno. La predilección de Isozaki por la
rejilla cúbica y pérgolaadintelada en
arquitectura a gran escala, por las cámaras acorazadas semicirculares en la
escala los edificios de los edificios domésticos, y por el acorazado de barril
extendido en los edificios bajos, alargados conducidos a un número de
variaciones llamativas. Sus diseños influenciaron a los arquitectos de la Nueva
Onda de los años 80, empujándonlos a ampliar su estilo equilibrado, a menudo
manierista, o reaccionando contra ellos.
"Hotel Westin Awaji Island" en la isla Awaji(Japón) de Tadao Ando (1991).
"Hotel Westin Awaji Island" en la isla Awaji(Japón) de Tadao Ando (1991).
Los
arquitectos japoneses eran no sólo médicos expertos en el idioma moderno pero
diseños postmodernismo por todo el mundo enriquecidas con opiniones espaciales
innovadoras, sutiles texturados superficiales, el uso inusual de materiales
industriales, y un conocimiento desarrollado de problemas ecológicos y
topográficos.
Escultura japonesa
Tradicionalmente,
la escultura japonesa
y sus técnicas fueron derivadas de las tradiciones budistas y shinto. La madera, a menudo laqueada, dorada o pintada en colores
brillantes, es el tipo más común de material de escultura. El bronce y
otros metales también
son importantes. Otros materiales, como la piedra y
la cerámica, cumplen roles extremadamente
importantes en la historia de la escultura japonesa.
La pintura japonesa ha sido un arte en el país por mucho
tiempo. El pincel es la herramienta de escritura tradicional, y la extensión de
ello a su uso como herramienta artística fue probablemente natural. Las
técnicas nativas japonesas aún están vigentes, así como las técnicas adoptadas
de Asia continental y de occidente.
PINTURA
JAPONESA
"Ciruelos blancos en primavera"(c.1705-10), por Ogata Kōrin. La pintura esta realizada bajo el estilo Yamato-e, utilizando una técnica de tempera seca que exalta la sinuosidad de las líneas logrando un efecto de expansión del espacio que propasa los límites propios de la obra, y que es típicamente japonés. Los patrones y movimientos de las líneas influenciaron en gran medida la corriente artística del Modernismo
La pintura
de Japón (絵画 Kaiga?) es aquella que se ha
producido en el territorio de
dicho país, o por
artistas nacidos en el mismo. Es una de las más antiguas y refinadas artes
niponas, abarcando una amplia variedad de géneros y estilos. La historia en
general del arte japonés, al igual
que la historia de la pintura de Japón es una síntesis extensa y una
competición constante entre la estética japonesa y la adaptación de ideas importadas del
extranjero. Las primeras referencias pictóricas de Japón pueden vislumbrarse en
las cerámicas y murales pintados con diseños geométricos simples del período
prehistórico Jōmon. En el período Nara, la
dinastía china Tang influenciaría el estilo de la
pintura japonesa religiosa y de la corte.
La pintura
en Japón tiene su inicio posiblemente durante el período prehistórico japonés. Algunos diseños geométricos y figuras simples se pueden encontrar
trazadas sobre la cerámica neolítica del período Jōmon y en las campanas de bronce o dōtaku del período Yayoi (300 a. C. – 300 d.C.).También
se han descubierto pinturas murales con diseños geométricos y figurativos en
numerosos túmulos pertenecientes
al período Kofun (300
d.C.-700 d.C.).
Con la
influencia de la cultura China en Japón durante el período Asuka,
especialmente la introducción del sistema de escritura kanji,
el sistema de administración gubernamental, y el budismo, muchas de
las obras de arte eran importadas al Japón desde China y Corea, motivando la producción de copias locales muy
similares al estilo pictórico del Este de Asia.
Período
Nara
Pintura mural de la tumba Takamatsuzuka.
Con la
propagación del budismo en Japón durante los siglos VI y VII, floreció
la pintura con motivos religiosos con el objetivo de decorar los múltiples
templos construidos por las clases gobernantes. Sin embargo, el período Nara se
caracterizó más por el arte de la escultura, que por la pintura.
Las pinturas
más antiguas que aún sobreviven de este período incluyen los murales sobre las paredes del templo de Hōryū-ji en Ikaruga,prefectura de Nara; en las cuales se ilustran episodios de la vida de Buda, de los bodhisattva, y de otras deidades menores. El
estilo guarda semejanza con la pintura china de la dinastía Sui correspondiente
a la época de los Dieciséis Reinos. Sin embargo, a mediados del período Nara, se
volvieron populares pinturas bajo el estilo de la Dinastía Tang. Entre
estas también se incluyen los murales de la tumba Takamatsuzuka, que fueron realizados alrededor del año 700 a. C., y en los
cuales están representados cortesanos con togas y símbolos de la astrología china como el dragón (Seiryū), la serpiente o tortuga (Genbu),
el tigre (Byakko) y el fénix bermellón (Suzaku). Éste
estilo en particular evolucionó en el género (Kara-e) el cual permaneció en auge durante el inicio del período Heian.
Períodos heian y kamakura
Con el
desarrollo de la sectas budistas esotéricas de Shingon y Tendaishū en los siglos VIII y IX en
Japón, la imaginería religiosa, especialmente las pinturas o representaciones
de Mándala se
volvieron predominantes. Numerosas versiones de Mándala, en particular el
mándala del Mundo del Diamante y el Mándala del Útero fueron
creados como pergaminos colgantes, y también como murales para las paredes de
los templos.Un
célebre ejemplo antiguo conocido como el Mándala de los dos Mundos se
encuentra en la pagoda Daigo-ji, que es un
edificio religioso que posee cinco niveles de altura y está ubicado al sur de Kioto. En
particular, el Mándala de los dos Mundos está compuesto por
dos pergaminos decorados con pinturas del período Heian; sin embargo, hoy en
día algunos de los detalles pictóricos pueden visualizarse parcialmente, ya que
se han desgastado por la abrasión y el paso del tiempo.
periodo muromachi
Biombo de árboles de pino (松林図 屏風 Shōrin-zu byōbu?) realizado porHasegawa Tōhaku
Durante el siglo XIV el desarrollo de los monasterios zen en las ciudades de Kamakura y Kioto tuvo un gran impacto sobre las artes visuales. Un austero y monocromático estilo de pintura en tinta llamado Sumi-e fue introducido en Japón a través de la influencia de las dinastías chinas Song y Yuan, reemplazando los pergaminos polícromos del período anterior. A pesar de la introducción de este nuevo movimiento pictórico, en esta época se continuaron realizando los retratos religiosos denominados Chinsō, los cuales estaban pintados con una amplia paleta cromática y fueron plasmados principalmente por los monjes zen. Un típico ejemplo es el retrato realizado por el pintor y sacerdote Tsung-kao (1089-1163), en el cual se representa al monje legendario Kensu (En idioma chino, Hsien-tzu) en el momento que adquirió la iluminación divina. Éste tipo de pintura era ejecutado mediante pinceladas rápidas y con mínimo detalle, para lograr un efecto de profundidad, distancia y grandeza.
Durante el siglo XIV el desarrollo de los monasterios zen en las ciudades de Kamakura y Kioto tuvo un gran impacto sobre las artes visuales. Un austero y monocromático estilo de pintura en tinta llamado Sumi-e fue introducido en Japón a través de la influencia de las dinastías chinas Song y Yuan, reemplazando los pergaminos polícromos del período anterior. A pesar de la introducción de este nuevo movimiento pictórico, en esta época se continuaron realizando los retratos religiosos denominados Chinsō, los cuales estaban pintados con una amplia paleta cromática y fueron plasmados principalmente por los monjes zen. Un típico ejemplo es el retrato realizado por el pintor y sacerdote Tsung-kao (1089-1163), en el cual se representa al monje legendario Kensu (En idioma chino, Hsien-tzu) en el momento que adquirió la iluminación divina. Éste tipo de pintura era ejecutado mediante pinceladas rápidas y con mínimo detalle, para lograr un efecto de profundidad, distancia y grandeza.
periodo azuchi momoyama
Detalle de un biombo en el que se representa la llegada de un barco occidental, y que se atribuye a Kanō Naizen (1570-1616).
En contraste
con el período Muromachi, el período Azuchi-Momoyama estuvo caracterizado por
el empleo de un estilo policromo, también por un considerable uso de láminas de plata y oro, y por la preferencia de obras pictóricas en formatos
a gran escala. La escuela Kanō, que estaba
patrocinada por Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi, Tokugawa Ieyasu y sus seguidores,
adquirió prestigio y se expandió tremendamente. Kanō Eitoku desarrolló una fórmula
para la creación de paisajes monumentales sobre puertas corredizas, paredes,
mamparas y biombos. Estas grandes pantallas y pinturas murales eran
generalmente comisionadas para que decorasen los interiores de castillos y
palacios de la nobleza militar. Los
temas predilectos entre los artistas eran las flores y los pájaros, debido a
que facilitaban la labor de rellenar espacios de gran envergadura. Cabe
mencionar que muchas de las obras de este período decoraron las paredes y
paneles del Castillo Azuchi, y que en
su mayoría fueron comisionadas a Eitoku bajo las órdenes de Oda Nobunaga. Sin
embargo después del asesinato de Nobunaga en 1582, el castillo fue destruido e incendiado totalmente
para que ninguno de sus enemigos lo ocupasen. En consecuencia, ninguno de los
trabajos artísticos sobrevivió y sólo quedan algunos relatos descriptivos de la
escuela Kanō que narran el aspecto físico de estos
Rollo de caligrafía realizado porHakuin Ekaku (1685 a 1768), que trata sobre Bodhidharma y en el que está escrito: El zen apunta directamente al corazón humano, echa un vistazo a tu naturaleza y conviértete en Buda.
Muchos
historiadores han sugerido que el período Edo es una continuación del período
Azuchi-Momoyama. Ciertamente, a principios del período Edo, muchas de las
tendencias anteriores de la pintura continuaron siendo populares; sin embargo,
también surgieron nuevos estilos.
Una de las
academias pictóricas más significativas que floreció a principios del período
Edo fue la Escuela Rinpa, la cual se
centraba en los temas clásicos, presentándolos en un formato llamativo y
magníficamente decorado. En particular, el artista Tawaraya Sōtatsu permitió
la evolución del estilo decorativo a través de la recreación de temas derivados
de la literatura clásica, en los que empleó figuras y motivos del mundo natural
en tonalidades coloridas en contraposición de fondos recubiertos por láminas de
oro. Un siglo después, Ogata Kōrin reutilizó el estilo de
Sōtatsu, generando obras únicas y con amplia riqueza visual. Cabe mencionar que Honami Kōetsu, quien también uno de los
fundadores de la escuela pictórica Rinpa, promovió el renacimiento del estilo
tradicionalista japonés Yamato-e y de las
percepciones aristocráticas de los últimos años del período Heian. Sus ideales
artísticos fueron plasmados fundamentalmente en sus obras de caligrafía, las
cuales generalmente eran ejecutadas sobre las pinturas en tinta realizadas por
su amigo cercano Sōtatsu.
Dios del Viento, Dios del Trueno, de Ogata Kōrin. En esta pintura se muestra a
los dioses del trueno (izquierda) y del viento (derecha), al inicio de un
combate celestial.
Al lado del lago, por Kuroda Seiki, óleo sobre lienzo, Tokio. Originalmente fue expuesto en la exhibición Hakubaien 1897, y posteriormente en la Exposición Internacional de París en1900.
Durante la Era Meiji, Japón
sufrió un tremendo cambio político y social durante el proceso de campaña de
occidentalización y modernización dirigida por el nuevo gobierno Meiji. El período Meiji estuvo marcado por la división del
arte en los correspondientes estilos occidentales y estilos indígenas
tradicionales.
El estilo
occidental de pintura llamado (Yōga)
fue oficialmente promovido por el gobierno, el cual envió a prometedores
jóvenes artistas a que realizasen sus estudios en el exterior, y contrató artistas
extranjeros para
que estableciesen un currículo de arte en las escuelas japonesas.
Sin embargo,
después de un favoritismo inicial por el estilo de arte occidental, el péndulo
se balanceó en dirección opuesta, y hubo un movimiento dirigido por el crítico
de arte Okakura Kakuzō y
por el educador Ernest Fenollosa que
suscitó el renacimiento y la apreciación de los estilos artísticos
tradicionales de Japón (Nihonga). En 1880, el arte de estilo occidental fue prohibido en las
exhibiciones oficiales y fue severamente criticado por los críticos. Con el
apoyo de Okakura y Fenollosa, el estilo Nihonga evolucionó con
varias influencias del movimiento europeo Prerrafaelita y del Romanticismo.
Los pintores
de estilo Yōga formaron el Meiji Bijutsukai (Sociedad
de Bellas Artes Meiji) para mantener sus propias exhibiciones y promover un
renovado interés por el arte occidental.
En 1907, con el establecimiento del Bunten bajo
el patrocinio del Ministerio de Educación, ambos
grupos artísticos alcanzaron reconocimiento y lograron una coexistencia, y
hasta empezaron el proceso hacia una síntesis mutua. Algunos
artistas del período Meiji incluyen los siguientes:
Período
Shōwa
La pintura
japonesa a principios de la Era Shōwa estuvo
ampliamente dominada por Yasurio
Sotaro y Umehara
Ryuzaburo, quienes introdujeron los conceptos de arte puro ypintura abstracta a la
tradición Nihonga, creando por consiguiente una versión más
interpretativa de éste género. Esta tendencia fue considerablemente
desarrollada por Tsuguharu Foujita y
la sociedad Nika para abarcar el surrealismo. Asimismo
para promover estas tendencias, la asociación de arte independiente (Dokuritsu
Bijutsu Kyokai) fue establecida en 1931.
Durante la Segunda Guerra Mundial, los controles gubernamentales japoneses y la censura permitieron
únicamente la expresión de temas patrióticos. Muchos artistas fueron reclutados
en el proyecto de propaganda política
del gobierno, y se promovió la crítica sin juicio emocional de sus trabajos.
En el
período de postguerra se creó la Academia de Arte
Japonés (1937)
promovida por el gobierno y la cual abarcaba los estilos Nihonga y Yōga.
Las exhibiciones patrocinadas por el gobierno habían cesado, y se dio inicio a
las exposiciones privadas como la Nitten, que eran incluso de una
mayor escala. A pesar que la Nitten fue en principio
organizada por la Academia de Arte de Japón, desde el año 1958 empezó a ser administrada por una corporación privada.
Período contemporáneo
Después de
la Segunda Guerra Mundial, los pintores, calígrafos y grabadores prosperaron
en las grandes ciudades, particularmente en Tokio, y pusieron
su interés en los mecanismos de la vida urbana, reflejado en las parpadeantes
luces, los colores neón, y el paso
frenético de sus abstracciones. Todos los "ismos" del mundo del arte
de Nueva York y París fueron
fervorosamente adoptados. Después de las abstracciones de los años 1960, en los años 1970 se
volvió al realismo fuertemente favorecido por los movimientos de arte "op" y "pop", que
fueron plasmados en las obras artísticas de Shinohara
Ushio en los años 1980. Muchos de los artistas destacados del vanguardismo trabajaban
en Japón y en el extranjero, siendo en muchos casos ganadores de premios
internacionales. Estos artistas sentían que no había nada japonés en sus
trabajos, y que de hecho pertenecían a la escuela internacional. A finales de
los años 1970, la búsqueda de las cualidades japonesas y de un
estilo nacional causó que muchos artistas revaluasen su ideología artística y
diesen su espalda a lo que algunos consideraban como las
"superficiales" fórmulas de occidente. Las pinturas contemporáneas
que seguían un estilo moderno comenzaron a ser realizadas mediante el uso
deliberado de las formas, recursos e ideologías tradicionales del arte japonés.
Numerosos artistas mono-ha se dedicaron a la pintura con el objetivo de
capturar los matices tradicionales de la disposición espacial, la armonía del
color y el lirismo.
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